Música con agua y papel

Os dejo unos vídeos como pequeña muestra del trabajo que está haciendo un importante compositor actual: Tan Dun. Nacido en China, en 1957, es mundialmente reconocido por sus composiciones, en las que suele incorporar instrumentos y sonoridades no tradicionales. También ha compuesto la música para algunas películas como "Tigre y dragón" o "Héroe".
En este vídeo vemos cómo utiliza el agua como instrumento musical, bien por su propia sonoridad (golpeándola como al chapotear o dejándola gotear) o bien por el cambio tímbrico que produce en instrumentos de percusión sumergidos.
Este extracto pertenece al "Water Concerto" (Concierto de agua), compuesto en 1999. Otra de sus obras más conocidas que emplea "percusiones acuáticas" es la "Pasión de agua según San Mateo", del 2000.


Este otro fragmento pertenece al "Paper Concerto" (concierto de papel), compuesto en 2003. Aquí podemos ver diferentes sonidos creados con distintos tipos de papel y cartón percutidos, sacudidos, rasgados... Incluso hay una especie de batería construída con papel y cartón.

Messiaen y el canto de los pájaros

Olivier Messiaen (1908 - 1992) fue una de las grandes figuras de la música del siglo XX. Desarrolló novedosos lenguajes compositivos. Destaca por obras como el "Cuarteto para el fin de los tiempos", que compuso y estrenó en un campo de concentración, la "Sinfonía Turangalila", el "Catálogo de los pájaros", las "20 miradas al Niño Jesús", los "4 estudios de ritmo", la ópera "San Francisco de Asís"... Nos llevaría muy lejos hablar de su renovador lenguaje musical, de su misticismo, de la sinestesia... Hoy quiero recomendaros que veáis estos vídeos en los que el mismo Messiaen habla del sistema musical que construyó a partir de los cantos de los pájaros. Tienen subtítulos en inglés (ya que han retirado de youtube los que tenían subtítulos en español) y son muy cortitos. También es un lujo poder ver en ellos a la gran pianista Yvonne Loriod, segunda esposa de Messiaen.





Para los que sepan inglés o francés, aquí tenéis un vídeo que nos permite colarnos en una de las clases de análisis musical de Olivier Messiaen. Sin duda todo un lujo, aunque sólo sean un par de minutos en los que habla de la ópera "Pelléas et Mélisande" de Debussy.

Messiaen siempre buscaba el color en la música. Curiosamente, hay personas que pueden ver colores o intensificar sabores cuando escuchan música. Estas personas son sinestésicas. Se está estudiando el fenómeno de la sinestesia y parece ser que se debe a que en estas personas hay unas áreas del cerebro que han quedado conectadas entre sí. Parece ciencia-ficción pero hay un documental de Punset muy interesante sobre este tema (emitido en el programa Redes y que también se puede ver en Youtube).

Escalas y arpegios

Aquí tenéis el vídeo de la escena de la película "Los aristogatos" en la que cantan la canción "Escalas y Arpegios".



Ya sabéis que una escala es una serie de sonidos que se suceden regularmente(en sentido ascendente o descendente). Por ejemplo: Do-re-mi-fa-sol-la-si-do.
Un arpegio es la sucesión de las notas que forman un acorde (es decir, que dichas notas no suenan a la vez sino una detrás de otra, del agudo al grave o del grave al agudo). Por ejemplo: Do-mi-sol-do.

En este vídeo de los Aristogatos han aparecido los nombres de dos compositores que empiezan por B. ¿Alguien puede escribir un comentario diciendo quiénes son y nombrando alguna de sus obras más famosas? Para eso hay que pinchar aquí debajo, donde pone "1 comentario". Escribís lo que queráis que se publique, después unas palabras que os manda copiar para verificar que el comentario no se envía automáticamente y luego elegís una identidad: podéis escribir como anónimos (y poner vuestro nombre en el cuerpo del mensaje, si queréis) o escribir vuestro nombre en la opción Nombre/URL. No pongáis vuestro e-mail u otros datos personales: únicamente nombre y un apellido o inicial de apellido. En unos días hago públicas vuestras respuestas. Gracias

Gobbo so pare

Esta tarde (lunes 18) no hay ensayo del coro de padres.
Podéis ver la partitura y escuchar los midis de la última canción que estamos trabajando a través de este enlace:
Gobbo so pare
Nuestro agradecimiento a la Coral Enrique Granados, de Majadahonda, por colgar estos midis didácticos.
El próximo lunes 25 de enero, reanudamos los ensayos del coro de padres. Ya de paso, recuerdo que seguimos admitiendo gente (familiares de alumnos y también alumnos).

Feliz Navidad

Felices fiestas

Desde el coro de voces blancas del Conservatorio de Santiago de Compostela, os deseamos a todos felices fiestas.

Concierto benéfico

Mañana, martes 22 de diciembre, tendrá lugar un concierto benéfico a favor de "Save the Children". Será en el conservatorio profesional de música de Santiago de Compostela (c/Monte dos Postes, s/n).
A partir de las 6 de la tarde, tocarán diversas agrupaciones de alumnos del conservatorio (grupos de jazz, bandas, orquestas, grupos de cámara...). El broche final del concierto lo pondrá el coro de voces blancas del conservatorio (integrado por alumnos de grado elemental). Hemos preparado un repertorio navideño muy interesante y estaremos acompañados por algunos instrumentos (piano, flauta, trompas...). Calculamos que nuestra actuación será hacia las 8:30 de la tarde (aproximadamente). Hemos puesto mucha ilusión y mucho trabajo en este concierto, así que esperamos que la gente de Santiago pueda acercarse a vernos a nosotros y al resto de agrupaciones que tocan desde las 6. Será un maratón musical de unas 3 horas, así que se puede entrar al auditorio en cualquier momento en que haya aplausos (otras actuaciones serán en otros puntos del conservatorio). La entrada es gratuita y habrá una urna donde quien quiera podrá depositar donativos para Save the Children. Es una buena manera de ayudar a los niños que tanto nos necesitan.
Recuerdo a los integrantes del coro que se canceló el ensayo previsto para esta tarde con la orquesta. Mañana martes, tienen que estar en el conservatorio a las 6 y cuarto, con camisa o jersey blanco y pantalón o falda negra, y con una carpeta negra para las partituras.
Muchas gracias y felices fiestas a todos.

Apuntes de pedagogía

Para mis alumnos del itinerario de pedagogía: enviadme un e-mail con vuestro nombre y os envío el archivo con los apuntes que hemos dado hasta ahora.

aulamusicaldeadriana@gmail.com

El juguetero

Os dejo un vídeo del coro de voces blancas Orfeón Unión Orensana, para festejar el día de Santa Cecilia, patrona de los músicos.
Es una selección de fragmentos del cuento musical "El juguetero", compuesto por Josu Elberdin. Creo que las obras de Elberdin son especialmente interesantes para todos los coros infantiles. Están muy pensadas para los niños y transmiten valores a través de la música. Tiene varias piezas corales y cuentos musicales, algunas editadas por CM Ediciones y otras sin publicar, que se pueden cantar libremente contactando con el autor (que además de tener mucho talento, es todo amabilidad).
El cuento habla de un juguetero que vivía sólo y decidió construir una mariposa de juguete, para que fuera su amiga. La mariposa se rompió un ala y el juguetero recorrió el mundo para intentar curarla. Para ello contactó con druidas, con payasos, con una rosa blanca muy sabia... Una de mis canciones favoritas es la de los payasos. Se me ocurrió añadir unos golpes de percusión con instrumentos de juguete y lo cierto es que los niños se divierten mucho con esta canción y con la de los druidas.
Espero que disfrutéis con este vídeo de mis queridos niños y niñas de Orense.

Coros infantiles

Aquí tenéis un vídeo de la actuación del Teatro Principal. Cantan los niños del "Coro de Voces Blancas del Orfeón Unión Orensana" y parte del "Coro de voces blancas del conservatorio de Santiago de Compostela".
Esta es la canción de despedida que hicimos a modo de "bis". Medio improvisamos una colaboración de las dos corales y este fue el resultado. Espero que os guste. La canción es de la película "Sonrisas y lágrimas". Muchas gracias a todos los niños participantes, a la organización y a la pianista Leticia Folgar.

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Método Dalcroze: Rítmica

Entre los métodos activos de enseñanza musical que surgieron en el siglo XX, podemos destacar el método del suizo Émile Jaques-Dalcroze (6 -7-1865 / 1-7-1950).
Dalcroze se sentía decepcionado por la falta de vida en las escuelas de música, donde todo se reducía a frías clases teóricas y a desarrollar hábitos interpretativos mecánicos. En las clases de coro, los estudiantes estaban inmóviles y no mostraban emoción, expresión ni energía.

Entre los problemas que observaba destacan los siguientes:
•Ciertos alumnos progresaban normalmente en el terreno auditivo, pero les faltaba la sensación de duración, la capacidad de medir los sonidos y de ritmar las sucesiones de igual duración.
•A la acción de la música, a menudo, reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del cuerpo (cabeza, pies, manos,...) de donde se podía deducir que "debía existir alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores".
•No todos los alumnos reaccionaban igual. Muchos no coordinaban. "La inteligencia percibía los sonidos en el tiempo, pero el aparato vocal no podía realizarlos".

Así extrajo las siguientes conclusiones:
•La musicalidad puramente auditiva es una musicalidad incompleta. Debe completarse con sensaciones corporales.
•La arritmia musical es la consecuencia de una arritmia de carácter general.
•Para crear armonías verdaderamente musicales hay que poseer un estado musical armónico interior.

Dalcroze quería solucionar los problemas que veía en los estudiantes y para ello desarrolló estrategias educativas que incorporaban el movimiento, pues creía que la musicalidad debía surgir del propio cuerpo. Había trabajado un tiempo en Argelia y allí los ritmos africanos habían despertado su curiosidad sobre la relación entre el ritmo y el movimiento.

Su método de enseñanza se basa en tres áreas fundamentales: la rítmica, el solfeo y la improvisación. La parte más conocida es la rítmica (conocida en inglés como "eurhythmics"), que se basa en el movimiento del cuerpo para desarrollar el sentido rítmico-musical. Hoy hablaré de la rítmica.

Aunque a veces pueda confundirse con un tipo de danza o de gimnasia rítmica, la rítmica Dalcroze no es un arte en sí, es un medio para llegar a otras artes. Exige concentración, voluntad y exactitud, pero no conduce a la fatiga sino que debe desarrollarse en un clima de alegría y confianza. También desarrolla la creatividad, expresividad, emotividad e imaginación, así como el sentido rítmico y espacial, perfeccionando el sistema nervioso y el aparato muscular.

La base de los ejercicios son los desplazamientos a distintas velocidades (caminar, correr, saltar…) También hay movimientos de todas las partes del cuerpo: nunca movimientos blandos o sin gracia... Deben implicar energía, precisión y voluntad artística. Este tipo de ejercicios van precedidos de un calentamiento.
Son comunes los ejercicios en los que los brazos marcan los tiempos del compás y los pies realizan figuraciones rítmicas. Por ejemplo: las negras se marcan con pasos, las corcheas con pasos más rápidos, las blancas con un paso y una flexión de rodilla (porque tienen dos tiempos), las blancas con puntillo con un paso y dos movimientos del pie hacia un lado y hacia el centro (porque tiene 3 tiempos), la redonda con un paso y tres movimientos del pie (cruzarlo con la otra pierna, llevarlo hacia fuera y hacia el centro, como los 4 tiempos de la redonda), etc.
También se usan aros, pelotas, guirnaldas…
La posición de partida para estos ejercicios es la siguiente: muy estirados, con los brazos hacia arriba y las palmas de las manos hacia delante, con el pie que va a dar el primer paso estirado hacia atrás. Esto es muy importante, ya que implica una preparación para el ejercicio. Es necesario que en el momento de la posición inicial se calcule la energía que se necesita para cada movimiento. Pensemos en los músicos que deben prepararse para tocar una pieza: igual que en la rítmica, sería muy bueno que hiciesen un pequeño calentamiento y que antes de tocar se tomasen su tiempo para pensar el pulso que van a llevar, el carácter que quieren imprimir a la pieza... es decir, tener una buena posición de partida.
En la rítmica también es muy importante el espacio y su utilización.
Los ejercicios se realizan siempre al ritmo de una música: puede ser grabada, pero generalmente se toca al piano (casi siempre improvisando). La improvisación al piano no será nunca un acto mecánico: también tendrá voluntad artística. Los alumnos deben reaccionar ante cambios de música o indicaciones verbales (por ejemplo, gritar "hop" y que en ese momento los desplazamientos cambien de dirección o de velocidad).

Se llama plástica animada a la parte de la rítmica que da gran importancia al componente visual, creando coreografías y puestas en escena. Esto ha llevado a algunos a creer que la rítmica consiste sólo en ejercicios de danza o expresión corporal. También hay quien olvida las bases de la rítmica y recurre enseguida a la plástica animada para captar fácilmente la atención del público o los propios alumnos. Lo importante de los ejercicios es que sirvan para aprender algo, para interiorizar una sensación musical, para analizar la forma de una pieza que se escucha, etc. Insisto en que la rítmica es un medio, no un fin.

Respecto al trato a los alumnos, es importante crear un clima de confianza y seguridad, que favorezca la expresión y la creatividad. Cada alumno debe sentirse importante y ha de tener su espacio: hay que conocer los nombres de todos y emplearlos con frecuencia. Hay que evitar las conductas represivas: no resaltar que algo se hace mal. Es muy difícil aprovechar este tipo de clases si los alumnos se sienten cohibidos o juzgados. Con el trabajo grupal, los propios alumnos se irán adaptando a los demás en la medida de sus posibilidades.

Algunas técnicas de trabajo grupal pueden ser las siguientes: trabajar con ostinatos (fórmulas rítmicas repetitivas y cortas), ecos (un grupo hace una estructura y otro lo imita), en cadena (igual que el eco pero con más grupos), sumando grupos, en canon o con fórmulas de pregunta-respuesta.

Aquí os dejo algunos vídeos para que veáis clases de rítmica.


Niños trabajando con pelotas: fijaos en cómo tienen asumida la forma musical del "Para Elisa" y lo bien que les viene esta actividad para sentir el fraseo.

Conciertos corales

Esta tarde tenemos dos conciertos corales interesantes en Santiago y Orense, ofrecidos por dos corales de Ponteareas. Os recomiendo que si estáis en alguna de estas ciudades, no os los perdáis.

Concierto de Orense:

El coro de cámara femenino CAMERATA VIVACE (Dir.: Julio Domínguez) ofrece hoy viernes 13/11/09 a las 20.30 horas en la Catedral de Ourense un concierto organizado por el Colegio de Arquitectos de Galicia bajo el título 'Dona nobis Pacem' (música para coro y piano de los siglos XX-XXI) con la colaboración de Rasa Jakutyte (piano) y Alba Otero (clarinete). Entrada gratuita.
- I -
Canto Llano (anón.) KYRIE IV
Flor Peeters (1903-1986) MISSA BREVIS In Honorem Sancti Josephi Op.21
Canto Llano (anón.) AGNUS DEI XVIII
- II -
Pekka Kostiainen (n.1944) JAACOBIN POJAT
Julio Domínguez (n.1965) FANTASÍA GALEGA Nº1
Julio Domínguez (n.1965) PATER NOSTER
- III -
Gabriel Fauré (1845-1924) CANTIQUE DE JEAN RACINE
Gabriel Fauré (1845-1924) AGNUS DEI
Pau Casals (1876-1973) NIGRA SUM
Canto Llano (anón.) ANGELUS DOMINI
Gustav Holst (1874-1934) AVE MARIA
- IV -
Piret Rips (n.1965) DONA NOBIS PACEM


Concierto de Santiago:

A las 20:30, en el auditorio del conservatorio profesional de música de Santiago, actúa el Obradoiro vocal A Vila.
PROGRAMA

1ª PARTE
JESU DULCIS MEMORIA T. L. DE VICTORIA
O VOS OMNES T. L. DE VICTORIA
O MAGNUM MYSTERIUM T. L. DE VICTORIA
VIRGA JESSE A. BRUCKNER
GABRIEL'S OBOE ENNIO MORRICONE
HEAR US O LORD
2ª PARTE
BAILA GITANITA EMILIO REINA
TARDE EN POZZUOLLI TARRUEL
PRENDE, SALGUEIRIÑO PRENDE EMILIO LEDE
LOVE ME TENDER ELVIS PRESLEY
CANT HELP FALLING IN LOVE ELVIS PRESLEY
QUIÉREME MUCHO G. ROIG
CATRO CANTOS POPULARES JULIO DOMÍNGUEZ

100.000 visitas

100.000 visitas y esperamos que lleguen a ser muchas más.
¡¡Muchas gracias a todos y especialmente a Luigar Castell, que nos ha diseñado esta preciosa imagen!!

La música nos une

Quiero compartir con vosotros este precioso vídeo que me envían desde el Colegio Donadío en Úbeda (muchas gracias). Este vídeo demuestra que la música nos une y quiero aprovecharlo para dar las gracias a las personas que me han conocido a través del blog y me cuentan sus historias e inquietudes musicales. Nos vamos acercando a las 100.000 visitas gracias a todos vosotros.

Celtic Carol

Aquí tenéis un vídeo del villancico celta que estamos preparando en el coro. Está interpretado por la Escolanía María Auxiliadora de Cádiz, un coro infantil-juvenil al que aprecio mucho. Desde aquí les mando un saludo para ellos y para su director, Antonio.

Arreglado el midi de Come Again

Para la gente del coro de adultos: Ya está arreglado el enlace que no funcionaba del midi de la voz de bajo de Come Again.
También podéis descargarlo desde aquí:
Come Again - Bajo

Concurso "Vive la música"

Durante estos días está abierta la recepción de vídeos para el I Concurso de interpretación "Vive la música".

El concurso está organizado por los blogs Partitures piano y Do-Mi-Sol. Se puede participar enviando vídeos de vuestras interpretaciones, que serán colgados por los organizadores en el canal del concurso en Youtube. Hay cuatro categorías:

1. Clásico (principiantes)

2. Clásico (avanzado)

3. Moderno

4. Popular o folklórico

Las votaciones se repartirán de la siguiente manera: 50 % votos del público y 50 % votos de un jurado compuesto por músicos, entre los cuales me encuentro.

Los premios serán libros de música en pdf para los 3 primeros clasificados de cada categoría.

Desde aquí podéis descargar las bases:

Bases

También tenéis más información en el blog del concurso:

http://concursovivelamusica.blogspot.com/

Animaos a participar. Es una buena manera de haceros escuchar.

Educación musical en el Clasicismo y Romanticismo

A finales del siglo XVIII surgen los primeros centros de Educación formal Musical e instrumental con categoría de Conservatorios públicos: París, Estocolmo, Bruselas, Viena… En 1830 se crea el Real Conservatorio de Madrid.
Jean-Jacques Rousseau, pensador de la Ilustración y músico autodidacta, ideó un sistema de educación musical basado en números que reemplazaban el nombre de las notas.
Durante el Romanticismo, se multiplicó el número de músicos amateur, que tocaban el piano o cantaban en sus casas, como símbolo de buena educación. Se compuso mucha música para estos músicos amateurs: es la denominada “música de salón”. Proliferaron los profesores particulares de música y cobraron importancia las academias y conservatorios. En esta época, en algunos países europeos se llegó a decir que era mayor el número de casas con piano que con bañera.
En esta época aparece la musicología como disciplina.
Los enfoques didácticos del siglo XIX se basan en el aprendizaje del canto y la lectoescritura musical:
Destaca la labor del inglés John Curwen. El sistema de Curwen, llamado Tonic Sol-Fa, se basa en el do móvil. Se editó por primera vez en 1841, posteriormente sería adoptado y divulgado por otros pedagogos como Kodaly y sigue teniendo bastante vigencia, como demuestran sus numerosas reediciones: aún en 1980 fue reeditado con el título de New Curwen Method. Emplea el recurso de la fononimia (signos manuales que representan las notas y que serían muy difundidos por Kodaly).



En Francia destacó Guillaume Louis Bocquillon Wilhem, que publicó un Manuel Musical en 1836, que tuvo una gran repercusión en todo el país y que trabajaba mediante el do fijo, utilizando canciones y ejercicios de dificultad gradual. Desde entonces, los sistemas de do fijo tendrían gran aceptación en Francia (como el posterior método de Galin-Paris-Chevé), mientras que en Gran Bretaña “triunfaría” la pedagogía del do móvil.
Los sistemas del do fijo se preocupan de que las notas sean cantadas siempre en su altura absoluta (se trabajaría el oído absoluto). Los sistemas del do móvil transportan las escalas de Do Mayor y la menor a cualquier altura. Dominando estas dos escalas se podría cantar en cualquier tonalidad, así que trabajan el oído relativo.
En España, en el siglo XIX desaparece la música de la Universidad. En 1868, el decreto de Severo Catalina causa un gran daño a la música, al quitarle su rango universitario. Habla de las enseñanzas de música diciendo que su “naturaleza y aplicación artística se aleja tanto de la organización universitaria como difieren y se alejan los vuelos de la imaginación y las creaciones de la fantasía del procedimiento y discurso de la razón serena”. (Una verdadera desgracia que alguien con estas ideas estuviese encargado de regular los temas de educación. Tengamos en cuenta que “se cargó” muchas otras disciplinas educativas y tuvo la desfachatez de escribir un libro sobre la mujer, cargado de pensamientos misóginos).

Enseñanza musical en el Renacimiento y Barroco

En el Renacimiento, dentro del clima de agitación intelectual del humanismo, Baltasar Castiglione escribió un manual de buenas costumbres llamado El Cortesano (1528). Dice: \"...Habéis de saber que a mí no me parece buen cortesano el que no sea además músico y sea capaz de tocar algún instrumento, porque si lo pensamos bien, no hay mejor descanso para los trabajos ni medicina para las almas más honesta y elogiable que ésta...\"
En el Renacimiento y en el Barroco, la mayoría de los músicos se formaban y trabajaban en las capillas musicales. Se llamaba capilla al espacio del templo donde ensayaban los músicos y, por extensión, al conjunto de músicos encargados de cantar o tocar al servicio de una iglesia o corte.
Las capillas catedralicias estaban regidas por un maestro de capilla, principal responsable de la misma, encargado de cuidar e instruir a los niños cantores, componer la música para el culto, dirigir el coro o presidir las oposiciones de otras plazas de músicos. Para ayudar al maestro había otras plazas como el "maestro de mozos de coro", que instruía a los niños en el canto gregoriano, y el "maestro de canto de órgano", que enseñaba la música polifónica. La capilla también contaba con un grupo de voces adultas, que eran en su mayoría clérigos. Para la entonación de la música gregoriana estaba el "sochantre".
Paralelamente a las capillas catedralicias, existen las capillas reales, e incluso algunas capillas de nobles.
En la Italia del Renacimiento, entre los siglos XV y XVI, surgen los conservatorios, estrechamente vinculados con la vida de los conventos y los monasterios. Los más antiguos son los de la ciudad de Nápoles. Sin embargo, como la mayoría eran instituciones destinadas a la caridad pública, próximos a los asilos de pobres, genéricamente se conocieron con el nombre de Ospedale (Hospital), siendo especialmente importantes en el Barroco los de Venecia.
Estos conservatorios u hospitales atendían preferentemente a niños y jóvenes desamparados, les enseñaban un oficio que les permitiera vivir dignamente y los encauzaban al estudio de algún instrumento musical y particularmente del canto, habilitándolos para participar en las funciones religiosas o para integrarse al servicio de reyes, príncipes o nobles. La atención también se dirigió, en instituciones paralelas y quizá en menor escala y en años posteriores, a niñas y a jovencitas, e incluso a mujeres desamparadas, constituyendo uno de los primeros espacios de educación formal femenina.
Algunos de estos conservatorios – también hospicios y orfanatos – lograron tal calidad en la formación musical, fuera con coros o con conjuntos instrumentales, que se transformaron en verdaderas escuelas especializadas. Progresivamente irán incorporando disciplinas instrumentales suscitando que numerosos compositores italianos de los siglos XVII y XVIII, tales como: Paisiello, Pergolesi, Scarlatti o Donizetti, aparezcan ligados a ellos, bien como estudiantes o como profesores. Vivaldi ejercerá como director, compositor y profesor de violín en el Ospedale de la Pietá en Venecia, centro que llega a contar con una orquesta excelente.
El término conservatorio llegó a significar, finalmente, la función de asistencia social de ‘conservar’ a las poblaciones más jóvenes y desvalidas de los peligros morales propios del abandono y la ‘conservación’ del legado de la música sacra a través de su enseñanza, de la labor de los copistas, del resguardo físico de los repertorios.
Algunas de las modernas teorías que consideran la importancia de la música en el desarrollo de la inteligencia, la sensibilidad y la habilidad motriz, comienzan a gestarse en el Barroco. Por ejemplo, Descartes en su Compendio de Música relaciona de nuevo la música con las matemáticas.

Contiene información extraída de: http://www.monografias.com/trabajos31/conservatorios-musica-historias-olvidadas/conservatorios-musica-historias-olvidadas.shtml

Enseñanza musical en la Edad Media

Al comienzo del siglo VI, Boecio escribió De Institutione Musica. En ella distingue tres tipos de música: 

- La música mundana, inaudible, que regía todo el equilibrio cósmico, pues surgía del movimiento de los astros y se reducía a razones matemáticas (retomando la idea platónica de la música de las esferas). 

- La música humana era la responsable de la armonía entre las distintas partes del cuerpo, así como de éste con el alma. 

- En tercer lugar, la música instrumental era la música producida por instrumentos o por la voz humana. Para aprender este último tipo de música, es necesario emplear algún tipo de notación musical. 

Los romanos habían tomado de los griegos la notación alfabética. Boecio cambia los signos griegos por las letras latinas. Se empieza por la A, que corresponde al actual La y se continúa hasta la P, por lo que algunos conocen este sistema como la “notación de las quince letras”. 

En la Edad Media la educación se agrupaba en siete grandes saberes divididos en el Trivium (gramática, retórica y dialéctica) y en el Quadrivium (aritmética, geometría, astronomía y música). Carlomagno multiplica el número de Escuelas monásticas y catedralicias, que poseen su antecedente en la Schola Cantorum de Roma. En ellas se enseña oralmente el canto gregoriano. Los monjes necesitaban aprender de memoria todo el repertorio litúrgico, lo que solía llevarles diez años de formación. Esto se solucionaría con el desarrollo progresivo de la escritura musical sobre pauta. (Primero sobre una línea, después 2, 3…) 

En el siglo XI, Guido d’Arezzo ideó un innovador método de enseñanza musical. Estaba encargado de la enseñanza musical de los niños de coro. Tenían por delante 10 años para estudiar todo el repertorio de la misa y los oficios. Guido consiguió reducirlos a dos años, gracias a su método. Además de completar el tetragrama medieval, añadiendo una cuarta línea a las pautas habituales, dio nombre a cada una de las notas del hexacordo natural (de Do a La, sin alteraciones). Las notas seguían designándose con letras, como en los sistemas alfabéticos. Darles otro nombre era únicamente una regla mnemotécnica para facilitar la enseñanza de nuevas canciones. Recordando la altura de los inicios de frase del Himno a San Juan Bautista (de su propia invención), se podía calcular la altura de las 6 notas. Por tanto, era un método para agilizar el aprendizaje de nuevas canciones. 

Para ayudar en la lectura a primera vista, Guido también ideó un sistema basado en las articulaciones de la mano. Es lo que se conoce como “mano guidoniana”. Cada parte de la mano representa una nota musical, desde el Sol inferior de la clave de Fa hasta el mi superior de clave de sol. Se seguía un orden que partía de la segunda falange del pulgar, recorría la palma de la mano, subía por el meñique y se desplazaba por el resto de los dedos en espiral.

Poco a poco y desde el nacimiento de la polifonía, irán cobrando importancia las capillas catedralicias ("escuelas de música" en las propias catedrales para formar a los intérpretes que trabajarían en ellas), que llegarán a su máximo esplendor en el Renacimiento y Barroco. Hablaremos de ellas más extensamente cuando nos refiramos a estas épocas. 

La música empieza a entrar en las universidades europeas, a partir del siglo XIII, sobre todo desde un plano teórico y especulativo. Por ejemplo, Alfonso X el Sabio dota una cátedra para la enseñanza de la música en 1254, entre las once materias que aparecen en la Carta magna de la Universidad de Salamanca. Esta cátedra de música comprendía las dos vertientes: especulativa y práctica. 

Más información en: http://musarac.iespana.es/musarac/apuntes_de_historia_y_ciencias_d.htm